유려한 백자 위로 선명한 컬러의 

선들이 교차하며 강렬한 인상을 선사합니다. 

곡선의 형태 위로 새겨지는 직선은 

에너지를 만들어내죠. 

시각적인 끌림을 주는 도자기를 만드는

작가, 구자문을 만났습니다.

Chapter 1.

첫눈에 당신을 

사로잡는 기(器)

구자문 작가는 백자 위에 다채로운 색의 선을 반복하는 작업을 통해 직관적인 아름다움을 표현하고 있는 작가입니다. 그는 자신의 작업을 “사람들이 좋아하는, 한눈에 보았을 때 아름다운 도자기”를 만드는 일이라고 소개합니다.

누구나 한 번쯤 (사람이든 물건이든) 첫눈에 반한 경험이 있을 겁니다. 작가에게도 그런 경험이 있었습니다. 학부 시절, 우연히 한 작가의 작품에 마음을 빼앗긴 것.

“주제를 떠나 시각적으로 완전히 반했어요. ‘나도 이런 작품을 만들고 싶다’는 생각이 들어 그때부턴 단순히 학점을 잘 받기 위해서가 아니라 작가가 되기 위해 작업을 하기 시작했죠.”

작가의 꿈을 꾸게 했던 당시의 시각적 충격은 작가의 작품관을 이루는 토대가 되었습니다. 작가는 아름답기에 소유하고 싶은 기(器)를 꿈꿉니다.

“아름다움은 주관적인 영역이라 어떤 이는 순백의 미를, 혹은 매끈한 형태에서 아름다움을 느끼겠죠. 저는 제 작업의 미(美)는 색에서 온다고 생각해요.”

첫 개인전에서 작가는 순수한 백자에 수평의 선을 반복적으로 새긴 작업을 선보였습니다. 성형부터 정형까지, 모두 물레 위에서 이루어진다는 콘셉트 아래 물레를 천천히 돌리며 기물에 다양한 각도의 선을 깎아나간 작품입니다. 깎아낸 부분이 만들어낸 음영에 의해 백자에 오묘한 색감이 더해진다는 점에 매력을 느끼면서, 색에 대한 고민이 시작됐다고 작가는 설명합니다.

“국립현대미술관에서 열린 박서보 선생님의 전시를 보면서도 같은 느낌을 받았죠. 각도에 따라 색의 층이 사라졌다가 나타나요. 처음에는 대비되는 색으로 시작했어요. (그때 작품을 보면) 빨간색과 파란색이 자주 보여요. 다음 전시에서는 색에 대한 큰 콘셉트 없이 제가 쓰고 싶은 색을 썼죠.”

마음 가는 대로 다양한 색을 뽑아 사용하면서 작가는 스스로 물었다고 합니다. ‘이 색은 과연 어디에서 왔을까?’

“제 일상에 있는 색이었죠. 평상시에 자주 만나는 브랜드 로고의 색이기도 하고, 제가 좋아하는 스노우보드복의 색이기도 하고요. 대부분 작업에 세 가지 이상의 컬러를 사용하지 않는데, 제가 옷을 입을 때 기본적으로 세 가지 색깔을 써야 하는 사람이더라고요. (웃음)”

Chapter 2.

아름다움을 빚는 방법

구자문의 기(器)는 점점 확장되고 있습니다. 작가는 최근 유약을 적극적으로 활용해 작업에 새로운 질감을 더하고 있습니다.

작품이 완성되기까지, 그의 작업 과정을 함께 따라가 볼까요.

도자는 어떤 재료와 기법을 사용하느냐에 따라 아주 다른 결과물이 나올 수 있어 재료의 선택이 중요한 공예입니다. 작가가 사용하는 흙은 백자토 중에서도 가장 하얀 흙. 흙의 색이 밝을수록 잘 휘고 수축률이 높아 다루기 어렵지만, 원하는 것에 가장 가까운 발색을 얻을 수 있습니다.

흙을 물레에 올려 형태를 만들고(성형), 만든 기물을 건조해 섬세하게 깎고 정리하는 과정(정형)을 거쳐 가마에 소성해야 우리가 알고 있는 기(器)를 만날 수 있죠. 구자문 작가의 작업은 이중 정형에 집중되어 있습니다.

깎기 좋게 마른 상태까지 기물을 건조한 후 흙 잔여물을 제거하고 물레 위에서 천천히 돌리면서 선을 깎아나갑니다. 이후 튜브로 유약을 발라 선을 완성하죠. 자연스럽게 흘러내리는 유약은 날카롭고 직선적인 작업의 긴장감을 해소합니다.

유약은 다루기 까다로워 어떤 질감이 나올지 예상하기 어렵고, 가마에서 균열이나 휨을 유발하는 재료이기도 합니다. 작가는 원하는 흘러내림이 나올 때까지 많게는 다섯 번까지 유약을 덧칠하고 소성하는 과정을 거칩니다.

“예전에는 정형 단계에 집중했다면 지금은 원하는 색감을 낼 수 있을지 고민합니다. 특히 유약은 색도 다양하고 적은 온도 차이에도 예민하게 반응해요. 흙과 유약의 수축 차이도 고려해야 하고요. 까다로운 재료인데 유약만큼 깊이감을 내는 재료가 없는 것 같아요.“

도자를 이용해 꾸준히 ‘기’ 작업을 해오고 있는 작가에게 기에 대한 철학을 물었습니다.

“’기’라는 것은 안에 무언가를 담을 수 있는 것을 이야기하잖아요. ‘담는다’는 개념이 재미있었어요. 다양한 내용물을 담을 수 있지만 저는 작품에 이야기를 담아야겠다고 생각했죠.

평면 작업을 시도해보기도 했어요. 하지만 아직은 입체 작업만큼 저에게 시각적으로 매력적이지 않더라고요. 특히 빛을 받을 때의 느낌이요.”

Chapter 3.

가장 가까운, 

가장 먼 공예에 대해

아침에 일어나 컵에 물을 따라 마시고, 점심엔 하얀 사기그릇에 음식을 담아 먹습니다. 화병에 담긴 꽃은 일상에 활력을 불어넣지요. 도자는 우리 삶과 가장 밀접해 있어 오히려 잘 보이지 않는 공예입니다. 작가는 이런 도자를 잘 감상하는 방법으로 “촉각을 활용해 보라”고 제안합니다.

“회화는 만지는 것이 거의 불가능하지만, 저는 전시장에 오신 분들에게 작품을 한번 만져보라고 해요. 흙의 거친 질감과 유약으로 유리화된 질감을 손으로 느껴보고, 손으로 들어 무게를 느껴보는 것과 기울여 보면서 빛에 비춰보는 것도 좋은 관람 포인트입니다.”

이어 도자의 매력을 물었습니다.

 “100퍼센트 제어할 수 없는 것이 매력인 것 같아요. 같은 재료를 사용하고 같은 형태를 만들어 같은 온도로 구워도 (작업물이) 똑같이 나온다고 장담할 수 없어요."

최근 유리 공예를 접해볼 기회가 있었는데요. (유리 공예와 도자 공예 모두) 불을 사용하는 작업이지만 유리 공예는 눈앞에서 성형되는 과정을 확인할 수 있더라고요. 도자 작업은 가마 문을 열기까지 결과물을 장담할 수 없죠. 그래서 과거에 도자기를 만들던 장인들은 제를 올렸다고 하잖아요. 작가로서는 힘든 부분이지만 오히려 그 부분이 매력이지 않을까 합니다.”

어느덧 작가로 활동한 지 8년 차. 정해진 답이 없는 ‘아름다움’을 늘 고민하면서도 작가는 대중을 잊지 않는다고 했습니다.

“작품을 너무 어렵게 생각하는 게 항상 의문이었어요. 전문가의 시선이 꼭 대중적인 판단과 일치한다고 생각하지는 않아요. 대중도 쉽게 알아챌 수 있는 가벼운 작업을 하고 싶습니다.”